MOMO的電影圈

綑成一串的蚵殼因為海風的吹襲而相互撞擊，發出一種海浪捲上沙灘的聲音，以至於有幾個時刻，我開始懷疑這種曖昧的聲音處理背後，是不是有導演刻意設計的象徵意義。我試圖釐清，卻始終摸不著頭緒，在座位上越來越焦慮。幸好，十六釐米底片的畫面質地撫平了我多餘的分心，大螢幕的復古顆粒感像是時空重置──我突然回想不起來上一次看十六釐米的電影是什麼時候──使我想起小時候在電視機上看過的《魯冰花》或《少年吔，安啦！》，這些電影在朦朧的時代裡摸索人文的細膩，視覺效果不清新，反而帶給觀眾一種粗曠的震撼。
只是與其說是震撼，《蚵豐村》帶給觀眾的情緒更接近惆悵。失意的北漂青年阿吉風塵僕僕地回鄉參加妹妹的婚禮，恰巧碰上村內五年一科的王爺祭典，體面地穿著西裝，身邊帶著一個行李箱，好友阿男開口閉口叫他大頭家，他居然就理所當然地在婚宴的餐桌上跟村民吹噓，我在台北談生意，這裡應酬、那裏喝酒，動不動就是幾百萬；浮誇的態度招來父親順明大聲喝斥，吵鬧的交談瞬間掉落，遺留一些尷尬在酒席之間無法消散，然後畫面外突然傳來一句話，你可知道他阿公以前多風光？船從大海開過去，一整片蚵田都是他們家的。
遊子歸鄉固然是亙古不朽的敘事命題，像《海角七號》放棄夢想的阿嘉從台北回到恆春，反而在樸素的小鎮風情中找回腳踏實地的生活；表面裝得闊氣可靠，內心其實徬徨的阿吉在外頭闖蕩落得一身空，最終仍是藉由與父親對話、與鄉村交流來重新認識家族脈絡，並且體悟自己的責任與歸屬。但《蚵豐村》更好的，是除了歸鄉故事之外，還將阿吉與父親、爺爺的關係串聯成一條宿命的直線──蚵農家業的傳承──使世代交替的象徵意義以及村莊逐漸被都市結構吞噬的難題緩緩浮上檯面。
蚵農──水產養殖業──依海而生理所當然，但看著隔岸的工業區像是一幅畫，那個充滿發財夢的台北始終沒有出現，畫面裡的蚵豐村頓時像是一座被海水隔絕的孤島，連墓園都被積水淹沒。影片裡有一群小孩時常穿梭在村莊的巷弄與廟宇之間，粗魯地帶來一場吵鬧，又自私地帶走所有窸窸窣窣，路上村民總是以問候與關心回應，共同成全一次無慮的愉悅。村莊情誼的聯繫猶如一個渺小的場景，這裡的人像是被攪進宿命的框架裡，世代交替的責任逐漸形成一個封閉的迴圈──想走的走不出去，逃走的最後依然流浪回來。
難道所有離家打拼的故事最終都並定淪為失敗嗎？這不全然，但如今年輕人錯過了經濟起飛的台灣，夢想儼然成為一根即將被上個世代抽完的香菸，眼睜睜看著火光把菸草燒盡，菸霧如此迷人，他們卻只能等著收拾菸灰。迷惘的阿吉和被人看不起的阿男面臨著同樣的困境，留在村裡沒有出息，離開家鄉卻一敗塗地，想開啟觀光漁船筏事業大賺一筆，居然還需要聽從神明的意思，並且始終鬥不贏那艘豪華的遊艇。
阿吉說，神怎麼會知道那種事情？求神的人在神桌前被轎子敲得雙手是血，把人生的命運通通交付給五年出巡一次的王爺，但神真的幫得了人嗎？阿吉問阿嬤，難道當年阿公都沒有想過要離開村裡嗎？阿嬤說，他比較好命。蚵農靠老天的臉色吃飯，村裡的人讓王爺決定宿命的走向，如果命由天定，苦命的人，會不會只是剛好錯過了神？像因為摔傷而無法參與王爺祭典的順明，剛好錯過了神明出巡的眷顧，把人生一往無回地駛向悲傷的結局？
更多時候我卻覺得神只是靜靜地看著，像暗夜裡在鏡頭末處發光的那間廟宇，所有哀傷或欣喜的事情，祂都冷處理，像沙丘上那尊長期被海水侵蝕而殘破不堪的濟公像，只是無能為力地和漂流木與塑膠垃圾共處，然後一臉茫然地凝視著大海；也像那顆佇立於潮間，因為家族傳承而被遺留下來的榕樹，順明總是在那裡默默跟亡父說話，阿吉則是在順明離開後，固執而無助地問，蚵田到底是要不要留？但樹始終沒有回覆，像天上的神明其實一句話也沒說過。阿吉和阿男來到沙丘上，看著濟公像而一臉茫然，阿吉說，後面可能還有，但電影卻從來沒有引領觀眾去看後面有什麼，阿吉在狂風暴雨中撐扶著搖搖晃晃的榕樹，但榕樹只是認命地倒下。
信仰的背後有什麼？或是宿命的背後是什麼？從來沒有人說透。電影裡的紅色層層轉變，呈現一種令人坐立難安的詭譎，從傳統婚紗的大紅到夜色中懸掛半空的燈籠紅，再從煙火在空中綻放反射的紅色，變成即將壓垮世界的夕陽紅。歸鄉的阿吉與離鄉的阿男最終形成對比，在社會結構關係逐漸塵埃落定的哀愁裡，看著宿命的封閉迴圈再走完一個巡迴。電影最後一場戲，曾經被看不起的阿男打電話給阿吉，然後浮誇地開始吹噓，在台北的自己這裡應酬、那裡喝酒，動不動就是幾百萬。小小漁村的故事凝結了一整個世代的困境，讓觀眾無助地旁觀這群喘不過氣的人在喘不過氣的生活裡彼此欺罔一個紙醉金迷的未來。
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暗夜之中閃過一道強光，莫名物體劃過山頭與高樓。此刻未來科技與城市生活產生碰撞，寂寞與喧嘩交融，青春站在歲月的臨界點，純真的生命迎來一次劇烈的蛻變。一身勁裝、煞氣凜然站在你眼前的不是別人，正是此前還略顯彆扭的懵懂男孩—荷爾蒙少年。羞澀少年如今搖身一變，跋山涉水降臨潮濕擁擠的台北，把都市生活夜夜笙歌但幾家歡樂幾家愁的風情萬種譜畫成一部黑色科幻電影。
成長是歲月兌換成憔悴的體現，都市叢林是規則嚴峻的生存遊戲場地。雜揉青春、迷惘、虛無、寂寞的暗冷氛圍裡，潛藏樂手深厚扎實的演奏巧思。Intro曲＜墜落＞開宗明義，樂器該甜則甜、該衝則衝，替異鄉人初來乍到的故事掀開帷幕。
都市是什麼顏色？到處是充滿誘惑的霓虹，路的盡頭是躺有醉漢的巷弄。現代生活即是一場不醉不休的派對，唯一的規則是跟著忘情舞動。＜中華商場1971＞有貝斯手浩鈞精彩的貝斯編曲，Slap和Finger轉換游刃有餘、高潮頻起，既能回應旋律、亦能獨當一面，全曲三分半堪稱貝斯獨奏，實乃經典。美秀集團修齊的饒舌串場是畫龍點睛，在吉他鋪墊上進退有度，一點都不難聽。天色還沒黑、青春沒走遠，這回不捲菸擋一根的修齊，成全了憧憬幻影尚未被現實戳破，處處充滿希望光芒的中華商場。要記得，來到這裡是你自己的選擇。
喧囂後的寧靜是擋不住的寂寞。＜遙遠的星星＞有些可愛，但更多是感慨。純真跟成長再次碰撞，時間卻是永遠的贏家。人生總有這麼幾個夜晚，你不知道自己到底在哪裡？引領歌曲行進的鋼琴上有吉他點綴，星空頓時浮現，無限放大了疏離。悲憤的是＜紅色的人＞，充滿幹勁蓄勢待發，青春憑一股熱血對抗全世界，若果沒有明天，就把今天更用力地浪費。間尾奏的吉他獨奏猶如血液阻塞的壓抑生活終於獲得宣洩，有一去不回頭的決心。
＜靛藍＞和＜若已成舟＞連成一線，沿襲火紅曲＜4.00AM＞的氛圍，吉他刷得輕鬆，鼓穩穩地敲，情緒高漲時卻又千言萬語，可謂是「簡單就是豐富」的完美體現，甜柔地堆起主唱詠安稚嫩聲線的魅力。「我懂／年輕靈魂的惶恐／畢竟全力以赴不代表有結果」自我對話感強烈的歌詞裡俯拾皆是青少年焦慮，壓縮的聲音與吉他破音營造出情緒的疏離，是從什麼時候開始，我們再也無法掌握人心的距離？社交媒體氾濫的資訊時代裡，文字終於再也無法聊表心意，憂鬱惆悵的凌晨化為一首歌曲。
Disco Funk為基底的＜橙夜＞是都市的紙醉金迷，滿目瘡痍的青年墮落成買醉麻木的酒客，黎明各自離去的速食文化映射夜晚和歡愉的快感，酒精和派對短暫實現煩惱日拋的美夢。＜失去妳和我自己＞太精彩、太好聽，簡直全專輯最高潮。樂器為心碎而服務，連不斷出現在主歌背景的開罐聲都有戲，合成器與吉他搭配得宜，氣力放盡的獨奏道盡追不回往事的哀愁，浮現一種中二的浪漫和苦痛。
＜沒有顏色的城市＞是掏空自我的預言，呼喚靈魂死在都市角落的人。寂寞是矛盾的渴求，繁華落盡皆是空。＜黑色台北＞總結再也抓不住理想的無助，終於被生活擊潰的行屍走肉，每個樂器自成一格地彼此融合，揉出「已經來不及回頭」的哀傷結局。城市是慾望囂張閃爍的夢，餘溫散去，一句溫柔的話都說不出口，曲裡的少年聲嘶力竭地求救，擁擠的街道卻沒人回頭，懷著理想的人們啊，全被城市給吞沒。迷茫挫敗是無底洞，寂寞的人無止盡墜落，荷爾蒙少年的《黑色台北》住著黑色的少年。
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美國女星奧莉維亞魏爾德演而優則導，交出首部長片《A+瞎妹》，劇情描述一對自視甚高、拒絕社交玩樂的高中書呆子死黨，偶然發現她們私認為平時不顧課業、成天打混的同學竟然相繼考進名門大學，面對比其他人付出更多努力卻沒有成為贏家，以及學生時光形同荒廢的殘酷事實，她們決定參加校園風雲人物舉辦的派對，在畢業前夜盡情狂歡，把逝去的青春，一晚玩回來。
YA校園喜劇作為好萊塢最常見的次類型之一，影片聚焦迷惘、啟發、愛情，遵循掙扎與體悟的套路當然可想而知，但同樣的類型框架，角度或語調不同，老舊軀體也可能浮現新穎面孔，尤其近年女性主權意識扶搖直上，女性創作者的話語權和創作能量更是賦予YA類型搖身一變的可能性，前些年真誠動人的《最佳閨蜜》、道地溫柔的《淑女鳥》都是顯而易見的範例。
魏爾德的《A+瞎妹》充斥少女日記的筆觸痕跡，除了站上女性自覺的舞台、繼承YA片的傳統特色，同時還雜揉公路電影的調性，細膩浮誇地鋪陳主角心境成長的脈絡，坦然直率地揭露女性的私密與內心世界，其劇本細心照料筆下的角色，從師長到邊緣人學生都有看點，成功打造出一個令人陶醉的故事背景，影片既反映主流意識的勢不可擋，更顯現出創作者積極替類型添加新意的野心，鋪陳、衝突、和解的好萊塢典型敘事套路魏爾德雖然照單全收，但過程灌注的深情與戲謔調侃，仍引領故事逃離俗濫的圍困。
例如「乖學生學壞」這足以徹底改變人生的戲劇設定，影片卻大膽採用一夜濃縮，懷有心機地讓主角找不到派對目的地，使其在探詢之餘，透過與旁人周旋的對照，體悟「青春有限、享受生活」的重要性。對YA片來說，成長固然不是新鮮事，但魏爾德結合流行文化的影像雕琢巧妙地將少女情懷的迷茫和想像勾勒出來，幾次長鏡頭運用，漂亮地捕捉到心碎的瞬間；在揮手告別青春之前，吸食毒品、性愛經驗、性向啟蒙、暗戀破滅等場面和話題接連被端上檯面，既要你重新解讀青春，也想你敞開心胸接納多元。
有趣的是，除了必然的姊妹情感昇華描寫，這部影片同時費盡心思呵護配角群，從兼職司機的校長到內心寂寞苦不堪言的富家子都獲有相當程度的表率，而好心卻被貼上「淫蕩」標籤的女學生、身為師長但懂得享受派對的女教師也都有極佳的形象翻轉。這些角色的存在忠誠地服務於電影唯一的命題──打破標籤迷思，猶如眾星拱月般，和兩名主角的迷惘形成逗趣卻誠懇的互文效果，尤其搭配片中一段高潮翻臉戲碼，旁觀者紛紛拿起手機錄影的情境，表達出影片的語意及目的其實在於戳破現代社會表象綁架判斷的網路現象。嚴謹的主題能大而化之地處理，讓影片顯得更難能可貴。
主演的凱特琳戴佛與比妮費爾德斯坦可愛而討喜，她們揉合了青春的體悟和成長，並且在茫然中持續掙扎，同時背負失去與收穫的重量，搞懂情誼的真諦是溝通和理解。前者在片中小秀一段好歌喉；後者則顛覆在《淑女鳥》的形象，扮演起主導叛逆行徑的角色，處處充滿驚喜與笑料。青春無關對錯，唯有選擇的差異，《A+瞎妹》趕上無憂無慮的末班車，用盡興和瘋狂取代錯過與哀悼，雖稱不上劃世代的傑作，但擺著清新小品之姿，已然達成撫慰觀眾心靈的作用，證明跳脫好萊塢框架的美國獨立製片才是美國電影創作能量的孕育地，而在這部電影裡，可能有幾個剎那，你彷彿重新經歷了青春的天真與荒唐。
Rating：4 / 5 
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身為一代美國英雄象徵的克林伊斯威特，如今即將邁入九旬，卻仍以近乎一年一部電影的節奏穩定輸出，除了且看且珍惜的影迷情懷，其實也無法否認他的高產量確實從來沒有嚴重影響作品質感，且光是看他用電影向社會議題積極發聲批判，無論政治立場是否正確都讓人由衷佩服他的創作熱誠和愛國情操。遲暮的英雄沒有留在上個世代，反而正氣凜然地站在二十一世紀的美國，步履蹣跚，卻絲毫不肯示弱地追趕發展飛快的現代文化，克林伊斯威特可謂比任何一個人都更固執地質疑當代社會的繁花似錦。
走過時隔多年自導自演的《賭命運轉手》，新作品《李察朱威爾事件》再回歸偌大社會議題的傳記改編，劇情描述1996年美國奧運會期間的百年公園爆炸案，滿腔正義的愛國保安因為在活動場地發現炸彈，間接拯救無數性命而成為平民英雄，怎料執法單位的犯罪側寫竟將嫌疑指向他自導自演，於是伴隨FBI未審先判的骯髒手段、嗜血媒體的捕風捉影，受世人愛戴的好景不常，甚至一夕間從偉人跌成罪犯，備受迫害質疑的同時，真正的炸彈客卻仍然逍遙法外。影片依然保持伊斯威特一貫成熟穩重的敘事口吻，並諷刺美國光鮮亮麗背後的獵巫與造謠現象，從媒體文化一路批判到司法體制，激進嚴肅到最後卻烘出令人動容的真摯情感。
英雄和正義本質的重塑與辯證，是伊斯威特執導生涯反覆呈現的主題，他鏡頭下的英雄人物總是從榮光跌進萬夫所指的深淵（特別是近幾年），並在折磨之中秉持從一而終的高尚原則重新理解自身信仰，揭露時不我予的時勢變遷、拆穿和平美好的虛幻假象。這部片的李察朱威爾類似於《美國狙擊手》的布萊德利庫柏、《薩利機長》的湯姆漢克斯，他們在不同維度聯手拱起一道哉問──當英雄和罪人的定義因為世俗眼光判定而迅速轉變，那凡人在標籤底下的生命和理念還能代表什麼意義？
渴望成為警察的朱威爾懷有一身愛國情操，平時心地善良、體貼入微，但不代表是零缺陷聖人，誠如正義過度的騷擾學生、假冒執法者、收藏大量槍枝，甚或媽寶形象，諸多詭異行徑理所當然成為後來慘遭懷疑的原因。質疑固然有理，但除了警方推敲錯誤的誣陷，更大的問題是當媒體追求獨家的無限上綱行徑，能輕易操弄主流意識判斷，世人評論開始無須依據真相，那一個人的真實形象便顯得無足輕重，所謂「媒體殺人」在這部片極具戲劇性的被呈現出來，伊斯威特甚至派上女記者色誘探員換取情報的情節來影射社會的嗜血風氣，如此政治不正確，應該是這部片後來在奧斯卡黯淡無光的原因。
伊斯威特的戲劇調侃有獨到的高明之處。朱威爾信仰尊崇的美國正義，反而在劇中成為最大背叛，執法單位不擇手段蠶食鯨吞他的人生、剝奪他的權利，企圖補上罪證確鑿的臨門一腳，美國夢逐漸破滅，只剩下謊言。如果好人做好事都會惹上麻煩（山姆洛克威爾飾演的火爆律師也有類似境遇），未來還有誰願意挺身而出？過程終究埋藏不住伊斯威特對現代美國的失落和期許。電影兼容政治驚悚、溫馨熱血，平穩細膩地頗有戲劇張力，主演保羅沃特豪澤的詮釋令人信服，聯手山姆洛克威爾醞釀出一股真摯動人的化學效應，而後者近年以綠葉角色塑立的討喜形象，在這部片達到一種更通徹的效果，至於戲劇比重低落的凱西貝茲，硬是以演技拉高存在感，反而才是真的讓人拍案叫絕的精采演繹。
你可以說伊斯威特的電影老派，因為它們確實流淌一股自溺的雄性浪漫，但這些作品表面上砲火猛烈地向社會發起挑戰，其實骨子裡都是愛之深責之切地向新世代說教，一再自省美國神話背後的匱乏（否則他沒必要在指著媒體痛罵一頓後，再還給女記者一點人性上的公道）。誠如他一向將故事命題轉化成崇高而牢固的道德標準，並以猶如照妖鏡的審視方式苛責故事人物，從而鋪陳饒富深意的性格轉變，不但能將人心深處的缺陷徹底逼現出來，更能細膩引出情感聯繫的人性溫情，而富含深度和大格局的《李察朱威爾事件》無疑當屬伊斯威特作品中的佼佼者，遑論這部片其實光靠演員名單就值得你買票進場。
Rating：4 / 5
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三年前以短片《巴黎震撼教育》風光問世的法國籍西非導演拉德利，終於交出以短片故事架構延伸而來的處女長片《悲慘世界》，劇情描述緝凶組執法失當導致一名青少年重傷的過程遭路人的空拍機錄下，警員為求息事寧人，用盡私刑、威脅、交涉、搓湯圓之能事，被當皮球踢的受害者積怨逐漸加深，總算氣不過，於是號召友人點燃革命之火，蠻橫顛覆巴黎底層醜陋而貪婪的無形體制。影片犀利而乾脆地引出法國社會複雜的利害關係，聚焦到政治罔顧的基本人權，震撼人心、沉重不已。
光看片名，你可能會聯想到當年安海瑟薇和休傑克曼大秀歌喉的音樂劇，其實不是，但也無可厚非。拉德利導演向法國文豪雨果的經典作品取經，意旨在於刻劃紛亂動盪的社會風情，除此之外，這部寫實電影和世人皆知的經典歌舞劇是截然不同的存在。拉德利將鏡頭深入法國首都最深處的角落，拋下光鮮亮麗的艾菲爾鐵塔，只留殘破不堪的巴黎街區，光是開場法國人民因為足球隊贏得世界盃而舉國歡騰的畫面，場面調度之混亂，你就應該要明白這絕對不是矯揉粉飾的劇情電影。
初生之犢的氣質，讓拉德利的影片顯得率真。無論是不著痕跡的劇情刻劃、驚心動魄的音效調配，甚或大規模的人群調度，拉德利的鏡頭總能捕捉到紀實感強烈的壓迫效果，蓄勢待發到怵目驚心的轉變，在電影裡循序漸進、層層堆疊，觀眾對故事人物的同情心也勢必伴隨道德失衡而猶如坐雲霄飛車，搖搖晃晃、捉摸不定。而對自身國家進行反思、對社會議題的體悟和理解，理所當然成為導演的主場優勢，形同法律死角的城市動盪，被拉德利描繪成以暴制暴的惡性循環，我看巴西導演費南多梅蕾萊斯的《無法無天》時也有一樣的無奈和震撼。
電影以菜鳥警察加入警隊的視角出發，坦承揭露巴黎的街區生態：警察權力氾濫的不當執法、干涉社區治安的穆斯林和吉普賽、互不信任的社區居民，所有地方勢力各自為政，就連三人編制的警隊小組都被影片隔成三種不同的視角，若想維持表面平衡，只能避免置喙他人。於是當看不慣同事執法手段的熱血菜鳥想挺身推翻現狀時，真正的問題並不是眼前的同事如何忽視法律規範，而是面對混亂秩序的壓迫，每個人究竟該如何明哲保身？拉德利在高潮戲之前安插三名警員的私人生活戲，極巧妙烘托出人們大隱於市的脆弱渺小，道盡盤根錯節的社會議題終究是水深火熱的惡性循環。而過程兼容的種族、階層問題，則證實移民潮是近年歐洲（電影）內心深處共有的一股暗流。
低氣壓氛圍醞釀著一場混亂咆嘯，所有角色在紛亂中都只是拼圖，真正的主角是這座無情的城市。整部電影其實沒有所謂好人或壞人，暴力在執法者、當權者、旁觀者、受害者之間不斷轉移，拉德利對於主題論述的理解有助於影片敘事的爬梳，故事前半段平穩扎實，結局則澎湃生猛，狹長擁擠的公寓樓梯間被他調度出充斥窒息感的警匪對峙，手持鏡頭的流動性更強調了恐慌躁動的戲劇張力，嘎然而止的開放式結局則強化人性的懸念和影片的訴諸效果，善良究竟能不能中止罪惡？這是影片留給社會的最後一道提問。接近兩小時的片長在這部電影裡，一點都不漫長，相反，緊湊得很！
幾名主要演員搭檔得宜，低調而互不搶風采，卻又能精準演繹到位，已然無可挑剔。結局弱勢掀起革命的動亂和開場舉國歡騰的吵雜形成強烈對比，法國三色旗象徵的自由、平等、博愛，在這裡全數失效，當沉重的情緒渲染在黑暗的影廳裡化為一股壓迫氣流，《悲慘世界》確實已經成功達成預期效果，殘忍、寫實、無助，拉德利鏡頭下的街頭，這才是真正的巴黎生存指南。
Rating：4.5 / 5
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故事尚未揭曉，影片先迎來爆炸與機械聲，聲響之熟悉，你不難聯想到《變形金剛》。沒錯，這部富有溫馨催淚色彩的電影，乃是以好萊塢問題男星西亞李畢福的半自傳劇本為底，劇情描述成長過程的家庭傷痕──特別是對他施以家暴的父親，如何導致成名之路的孤單和失序。細膩誠懇的自我剖析，讓影片擺脫矯揉辯解的嫌疑，反而有懺悔的身影，搭配幾名新生代潛力演員的精采詮釋，戲內外的故事對應，讓電影咀嚼出別有風味的感性。
映入眼簾的畫面，是盧卡斯海吉斯在片場被鋼索吊掛於半空，同樣的構圖巧思，也運用在童星諾亞朱佩身上。這兩名演員共演一名角色：奧提斯──西亞李畢福的形象投射，一個自幼從事影視行業的男生，替故事劃開時序，一段是成名後的崩壞和甦醒、一段是兒時回憶的重現。從小被鎂光燈擁戴的明星，為何聲名遠播後，反而引來一身臭名？除了自我管控的情緒問題外，家庭失和、父親教育方式、成長環境渲染以及被迫提前成熟的童年時光，都是影片成功輻射出去的線索。
和父親同住汽車旅館的奧提斯，年紀輕輕便投身影業扛起家計重擔，但努力乖巧並未得到父親的平等回報，反而盡是忽視與家暴以待，親情僅剩利益衡量。這段欲求不滿的時光，他學抽菸貼近父親、獲得妓女鄰居的情感安慰。純真碰撞折磨產生火花，燒出缺乏親情關愛的灰燼，鋪出一條不斷尋找外在慰藉來安撫內心缺陷的成長之路，脫序行為的緣由，終於因為童年創傷而繪出因果關係的輪廓，悄悄替理解與和解埋下種子。擅拍紀錄片及音樂錄影帶的艾瑪哈瑞爾和李畢福的劇本相得益彰，紀實和虛幻的色調轉換，數度將兒童的期望和失望唯美地逼現出來。
身兼經紀人的父親由李畢福擔綱，嬉皮外表下挾帶吊兒啷噹的暴躁行徑，酗酒吸毒、不負責任，靠兒子工作報酬維生，此外還有性侵前科，就道德審視，是徹底不及格的父親。但即便看似絲毫沒有優點，他在劇本上竟活得頗有溫度。頹廢舉止背後是否有挫敗或傷痛的經歷？明知故犯與力不從心如何延伸？都是他試圖成為一名好父親（我相信他努力嘗試）的過程所拋出的提示，患得患失的自卑心態雖然導致暴力傾向和陰晴不定，但幾番蒙太奇的對照卻藏不住孤單脆弱的心靈。當兒子看自己演的家庭劇而聲淚俱下，一旁的他是否也流下一滴淚呢？在這片溫情土壤上，李畢福和諾亞朱佩合演父子的化學效應不斷發酵，尤其後者精采融合早熟和靦腆，繳出使人目不轉睛的爆炸性演技。
通俗的家庭成長故事，在李畢福和哈瑞爾的配合下，流有悅耳迷人的語句。即使應當懷疑劇情的虛實比例，但影片情節和符號的取捨，卻巧妙烘托出美國獨立片的純粹色彩，勾勒甜而不膩的戲劇性。李畢福不僅親自上陣出演又愛又恨的父親，還將他的心境寫得富有層次，何嘗不是和解？但真正有趣的，是當影片拋出「當你窮極一生都想遺忘記憶的痛，它卻化為生命無形的一部份」的命題時，竟徹底折射出李畢福的慚愧與傷痛──成長的軌跡把自己逼成最憎恨的樣子。所以這部電影並不侷限於好萊塢巨星的回憶故事框架裡，反而有家庭教育的省思餘地，父子對壘的愛恨情仇，得以被傾聽、理解、和解接棒解讀。至於理性診療對情緒疾病患者來說，是否成為拷問或剝奪？也是影片的一大控訴與哉問。
我能理解大眾對偶像的道德要求，誠如明白影迷對於電影的期許。《我的寶貝男孩》自然不是一部年度級的空前作品，相對顯得俗套，但當電影有能力模糊現實與虛擬的界線，是否也能引出傾聽的可能性？西亞李畢福拋下醜聞和特效，抱著充滿人性的故事走到你眼前，巨星神話頓時消散，只留下殘破不堪的歲月光景，在此之後，你願不願意給他一次機會？理解站在判斷之前的重要性，是這部片恰巧留下的論證，尤其在溝通逐漸失效、負面標籤隨意貼的網路世代底下，西亞李畢福的真誠，反而讓我品嘗到這部電影戲內外更多層次的韻味。
Rating：4 / 5
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電影系文青女愛上吸毒渣男，越陷越深、無法自拔。看似芭樂的劇情，在這部片變得私密而充滿藝術性。你可能碰過一種情況：不怎麼喜歡一個人，你對他的價值觀嗤之以鼻，無法理解，也不想理解他看待世界的方式，但又不得不承認，甚至不得不佩服他用獨特理念和意志貫徹生活的積極與熱情。我看這部電影時就有這種感受。
《我們的相愛時光》是英籍女導演瓊安娜霍格的半自傳電影，講述一段愛情與生活的故事。22歲的好萊塢星二代女演員榮耀拜恩絲雲頓在影片中飾演籌拍學生作品的內向文青女，對生活感到徬徨的她，聲稱要拍一部和自身經歷大相逕庭的電影，原因是想踏出舒適圈。她愛上理念迥異的男人，卻對他的背景渾然不知。裂痕伴隨相處逐步揭露，她卻無法從情感的漩渦中抽身。這不僅是對畸形戀愛的探究，也是創作者的歲月還原，但最重要的，是這部電影向一段確切發生的時光，賦予了不加批判的佐證。
這部電影沒有任何煽情元素，甚至摒棄所有觀眾依賴的類型套路，放棄鉅細靡遺的人物刻劃、迴避戲劇情節的來龍去脈，獨自沉浸在生活的霧霾裡，毫無準備地面對環境的變化：因為男友吸毒而產生的各種影響，但重點在於「反應」，不在「經歷」。霍格的劇本零碎而安靜，折射出猶如手寫日記的記憶回顧，字句間的人物暢談電影、用派對高歌寂寞，大膽、任性、才華洋溢，偶有六、七零年代歐洲電影大師的身影浮現，這或許是為何媒體影評一致追捧，主流觀眾卻不以為然的原因；這部電影某種程度上打破了現代影壇安於現狀的想像。藝術有選擇觀眾的權力嗎？或許，因為霍格確實透過這部片，替自己的故事進行閱聽眾篩選。
影片裡，女主角想拍一對母子的電影，劇情描述孩子依賴母親，害怕母親死亡，卻又在母親死亡時擺脫害怕失去的恐慌。同樣的情境邏輯，被整合進她不合常理的愛情。她愛上聲稱就職於外交部的男人，被他充滿評判性的思想吸引，但發展成同居後，男子的詭異行跡緩慢顯現：借錢、讓陌生人進房、毒癮發作。但明知生活因為毒品產生驟變，女主角竟不為所動，戀情依舊運轉。與其說是將錯就錯，影片的調度更像安全感轉移。亟欲踏出舒適圈的她尚未從家庭的懷抱獨立，迷惘徬徨，掩蓋不住談論未來的舉棋不定，男人出現猶如浮木，拯救她迷茫的漂流，美其名靠感情展開新生活，其實是走進另一個安穩的美好泡泡，以暫緩內心虛無的騷動和焦慮，唯有戀情因為死亡嘎然而止，她才終於得到救贖。
徬徨的生活在顆粒感畫面底下被冷靜呈現，觀眾注定要旁觀一切。但即使疏離的影片色調顯得安靜，主角戀情糾纏不清的疏離和荒謬，卻烘托出環境光景，頹靡的年輕族群和懷有政治熱誠的高齡世代斷了共識的聯繫，迷惘如何形成，是耐人尋味的問題。而當一段生命消逝，即便殘破不堪，仍在人心掀起情緒漣漪，曾經活躍的光陰，終究被繪出存在的痕跡。飾演吸毒男子的湯姆伯克可謂竭盡所能呈現出令人又愛又恨的螢幕形象，甚有幾度成功抬升影片的震撼力，是相當成功的渣男角色。繼承衣缽的榮耀拜恩絲雲頓處女作就有獨挑大梁的氣勢，心碎、無力和雀躍都悠然自得，頗有獨立片文藝女星的氣質。而她和母親蒂妲絲雲頓在劇情中合演母女則成為相映成趣的小彩蛋。
雖然影片奉半自傳回憶為主題，但和《羅馬》澎湃的童年巡禮不同，也不像《從前有個好萊塢》興奮夢迴黃金時代或《愛爾蘭人》走一回黑幫大觀園。《我們的相愛時光》說穿了是一本日記，隨性拼湊生活軌跡，即便是自身經歷，導演瓊安娜霍格仍不予以批評或說教，只賦予歲月曾經存在的證據。我自始至終都沒找到契機喜歡上這部片，但仍然佩服影片自我耽溺的信心，它向我證明了一件事情：即便我們都是孤單的人，也會因為各種外在因素而區分你的寂寞和我的哀愁，你不見得要來感受我的生活，反之亦然，但我們都是真實的存在，都有惆悵的權力，誠如這部電影是充滿生命力的個體，就執行面而言，它應該是要被讚揚的。
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《黑水風暴》中，從事律師行業的馬克魯法洛偶然收到家鄉農民的委託請求，說是牧場飽受化學汙染侵害，牲畜接續罹病死亡，但好巧不巧，罪魁禍首竟是他辯護多年的美國化學龍頭企業。追查的背後暗藏美國資本主義盤根錯節的體制問題，正義一旦失效，是否挺身而出？更重要的是，當真相隨手一拉就排山倒海，除了面對官司壓力，還得扛起輿論檢視，如何堅持下去？也是一個問題。
儘管真實事件的議題性電影本身就具備某種和社會產生連結的潛力，但《黑水風暴》的敘事時空一攤就十餘年，趨近重疊現實的震懾，還是樹立不少影片的影響力。只是時光漫長，電影如何擷取片段，自然也定義故事的靈魂。擅長捕捉人性壓抑的陶德海恩斯延續創作脈絡，將鏡頭探進社會染缸的生命個體，聚焦人心的脆弱和複雜。當你期待看見小蝦米扳倒大鯨魚那種遲來的熱血正義大爆發，故事卻埋著頭往內心層面走去，整合偏執和迷惘，幽微到盡頭才流露出一絲人性光芒。
這類冷峻電影，一再提醒我們馬克魯法洛是低調優秀的好萊塢演技派，他一頭埋進官司訴訟就是十多年，不僅賠上生活品質，還連帶影響家庭關係和職場地位，遑論還有真相爆發，案件卻遲遲無法解決所招致而來的質疑和調侃。生理倦怠和心理崩潰，魯法洛交代得頗有技巧，替影片的生硬題材灌注情感溫度，即便劇情猶如顯微鏡直逼角色內心，他都泰然自若、游刃有餘，不僅善良真誠，同時還憤怒無奈。
畢竟貴為化學龍頭企業，卻擺出對環境汙染毫不知情的態度，更氣餒的，是當真相呼之欲出，本來彬彬有禮的負責人，竟然開始銷聲匿跡，緊接又是種種刁難。大企業操弄資訊、囂張跋扈，通天遁地的本領勾出美國資本主義的體制錯亂，政府默不吭聲、人民無能為力，階級關係甚或透過城鄉形象形成鮮明對比，縱容罔顧都在一瞬之間。陶德海恩斯把影片調度出政治驚悚的色彩，替平鋪直敘的劇情增添不少戲劇張力，猶如冷冽色調與穩重鏡頭洋溢大衛芬奇的氣息，冷靜底下滿是暗潮洶湧。
影片的汙染，從河流排放物擴張到整座小鎮、城市的水源問題，其後還有涵蓋全世界的化學加工產品。議題線索以小見大，濃縮進魯法洛一人的內心，除了恐懼和無助，更展現出擇善固執的韌性。影片理所當然鋪排巧遇受害者的橋段，藉由人性的真實聯繫與關懷，對照藐視良心的黑心產業，角色堅持不懈的毅力有了依據，電影自然浮現感動人心的渲染力；提姆羅賓斯和安海瑟薇從旁低調助陣，前者飾演剛柔並濟的律師辦公室上司，烘托出美國律師拒絕淪喪的職業道德餘韻；後者出演經常苛責主角的家庭主婦，但丈夫病倒之際卻真情流露地挺身發聲，替影片引出些許煽情。
陶德海恩斯導得夠穩，雖然過程摒棄不少創作特色以追求平穩，但結構工整的敘事仍妥善雜揉議題和人性的複雜與榮光，電影沒有輕易給出明確的勝利，卻透過對抗不公義的堅忍不拔揮發出凡人英雄的光芒，提升警世、醒覺與關注的重要意義。除非預期錯誤，否則本片的穩扎穩打確實有看頭，甚可稱其為本屆奧斯卡最大遺珠。
Rating：4 / 5
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山姆曼德斯嘗試去蕪存菁的毅力讓《1917》浮現出令人屏息的魅力，不僅是浩大磅礡的格局精準重現戰場壕溝與廢棄村莊的荒蕪，還流露出生命力在大地上的盎然及凋零，畫面的行雲流水緩緩營造身歷其境的幻象，階段性的轉場有步入險境的堆疊感，使觀眾情緒在血脈賁張和嘆為觀止間不斷擺盪，進而和戰爭的無奈與淒涼產生強烈的情感聯繫。這種技術性突破的視覺饗宴，極可能讓這部電影悄悄成為千禧年之後，你最應該買票進場觀賞的戰爭片（觀賞品質因素）。
故事以常陷入僵局的一戰時期作為背景，描述二名士兵受將軍命令，趕赴前線傳遞取消進攻口信，以防部隊落入敵軍陷阱，不幸中途遭遇敵軍而發生傷亡，倖存的主角肩上背負的責任，頓時不單是上千名友軍的生死大權，還包括完成陣亡夥伴囑託的承諾。敘事極單純，但縝密流暢的影像仍刻畫出戰爭的重量、人心的變化。主角不是一路向前這麼簡單，要跟時間賽跑、要跟內心對抗，過程不乏體悟、堅強和成長，當大軍一往無前朝敵人殺去，主角則為傳達撤退命令而狂奔，同個戰場，目標截然不同，說明了這不只是單純賣弄殘酷的戰爭片。
所以你看見剛目睹夥伴死亡的主角搭上友軍便車時，仍黯然神傷地凝視事發地點，他的任務（人生）還在繼續，摯友卻長眠於此，戰爭的無奈與脈動，在《1917》裡顯得自然生動。其實更早之前影片曾暗示主角家庭關係的尷尬，以及藐視戰爭和榮耀的思想。他把榮譽勳章拿去交易烈酒，甚至第一個跳出來質疑任務合理性。得過且過到義無反顧的轉變，以戰場百態堆疊，有泥沼、河流、花瓣、屍體，以及一個臨時組成的家庭結構，猶如生死走一回，畫出一個男人蛻變的拋物線，進而成為整部電影最不假修飾的純粹。尤其處於通訊不發達的時代，一名士兵的任務足以比重幾千性命，人命的重量和無窮終讓本片顯得更有意思。
而山姆曼德斯的場面調度堪稱一絕，無論迷宮般的地下坑道、遭戰火摧殘的村莊、一望無際的草原、擠滿士兵的壕溝，所謂「畫」中有話，被曼德斯呈現地目不暇給，遑論影片還搭上金獎攝影師羅傑狄金斯，精湛高明地雕琢角度和色調的巧思，仿一鏡到底的效果讓影片的情緒層次更多元，成功打造數場或能名留青史的好鏡頭，從旁還有湯瑪斯紐曼的配樂助陣，時而荒涼、時而磅礡，技術面趨近無可挑剔，可惜的就是（必須）筆直的敘事，終究沒有因為高明技巧而攤開更燦爛的光譜。
你當然可以端出顧及設計只好放棄敘事的精雕細琢或電影不可能詮釋戰爭全貌等說法替本片解套，問題就在於「一鏡到底電影」不再全然是新聞，不久前才有《人類之子》和《鳥人》，它們說明即便形式駕馭電影，內容仍有散發光芒的可能性，所以當影片沉溺在形塑高超技巧卻無法同時提升故事重量時，自然略顯弄巧成拙，曼德斯替戰爭類型帶來突破自然需要讚賞，只是無論本片的商業性是否承載某股浪潮在院線蔓延，我們都應該積極思考，或者退一步到電影藝術最基本的範疇裡質疑《1917》亟欲成為現代經典的野心，最終替自己貼上什麼定義？──尤其當它被撤下大螢幕之後。
男主角喬治麥凱將與死亡擦肩而過、為達成任務而赴湯蹈火的精神、看透紛亂而珍惜自我和生活的心境，在馬拉松似的鏡頭底下詮釋得富有層次，真摯而動人，上回見他還在《神奇大隊長》飾演呆萌大男孩，再見就獨挑大樑，未來勢必大有可為。相對幾位英國熟面孔演員的客串顯得參差不齊，有些令人驚喜、有些看似免洗，隱隱顯現敘事短版，但若單就技術面而言，《1917》用緊湊鋪排的詩意，替戰爭電影引領出全新的美麗面貌，還是證明這部電影確實是山姆曼德斯執導生涯中，不容忽視的一顆亮點。
Rating：4.25 / 5
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片名乍看是政治正確感爆棚到讓人卻步的電影，其實就是以美國南北戰爭為背景的經典名著《小婦人》，描述馬區一家四姊妹的感情變革和探索。沒錯，這部橫跨一百五十年的文學經典如今迎來第六度影劇改編，前有凱薩琳赫本版、薇諾娜瑞德版，但藉前作《淑女鳥》獲得滿堂彩的美籍女導演葛莉塔潔薇有大破大立的精神，替乘載時代巨輪的文學著作帶來新臉孔，用一八六零年代美國人的高尚精神，重新審視二十一世紀頹喪的生活價值，眾目睽睽的女性議題，亦在嚴謹的架構中游刃有餘地發酵。
映入眼簾就是一場談判戲，生活挫敗而出走紐約的女主角和出版商議論投稿價格，前者羞澀內斂，後者主導利益大權。若這場戲有任何女性主義底蘊，顯然節節敗退。但真正讓我進入狀況的是緊跟在後的奔跑戲，憶起《紐約哈哈哈》的迷茫女子。幕前幕後，葛莉塔潔薇跨越時空和屏幕串聯女性的生命力和潛力，朝牢固的社會框架投石問路，試探女性精神揚眉吐氣的可能性。但這不是落俗的「女性站出來」，而是尋找冰冷議題背後，女性自我嚮往的更多面向，那可以淡如柴米油鹽，也能重如驚滔駭浪，驚喜就在於葛莉塔潔薇竟讓影片核心於社會觀感上化開得不著痕跡。
馬區一家生活貧困，父親從軍，四姊妹於焉和母親相依為命，對窗住著一家有錢人，彼此相互邂逅，幾段情感隨之萌芽，女主角喬則在愛情和親情的拉扯中不斷掙扎。這段故事對老影迷來說肯定不陌生，但這部片的形式卻迎來煥然一新的結構，葛莉塔潔薇拋棄筆直敘事，從而採用非線性剪輯的今昔對照，少了少女成長的層層堆疊，反而烘出路過人間的蒼涼和欣喜，被剪散的回憶，最終拼湊出人生的惆悵與感悟，文學經典的厚重浮現二十一世紀的新面貌，而你也將從冷冽和明亮的色調對比中感受到命運的殘酷──長大的代價。
瑟夏羅南與葛莉塔潔薇二度合作，默契和功力有了昇華，喬瑟芬馬區這個過去被視為「男人婆」的角色從世代的匠氣中重生，如同改名的《小婦人》出現更高的娛樂性。瑟夏羅南替角色添加一層現代感，進而貼近女性內心的脆弱百態，引出一名女子的生活如何在不甘落於標籤化的抵抗中潰不成軍，她任性地剪掉頭髮、拒絕摯愛求婚、離開家鄉，其實都在尋找女性框架外的另一個可能性，瑟夏羅南的呈現精湛細膩，可以忘憂熱舞，也能心碎獨白，在我看來，是比肩《愛在他鄉》的成熟演出，而葛莉塔潔薇站在文學經典的肩膀上，美國、精神、女性、自由、生活等多項子命題也絲毫沒有馬虎。
本片形塑的壓迫，透過梅莉史翠普告誡孫女要「嫁得好」的耳提面命呈現出十九世紀社會用婚姻束縛女性，卻又不予以重視的狹隘定義。但價值觀愈作繭自縛，就更呈現出當代美國人拓荒底子的高尚精神：擺脫虛榮找到婚姻真諦的大姊、放棄富家子弟嫁給真愛的小妹、生性內向但不懼於施捨與感恩的三妹，她們在命運必然的導航中堅持追求夢想（自由）的毅力，在人生的物換星移裡建構自我的意義，以艾瑪華森一句台詞：「我的夢想跟妳的不同，不代表它們就不重要」做為總結恰到好處，替女性覺醒議題拓展出更多根本面向，不是一昧囊括進單一標籤，更不具攻擊挑釁意味，這種圓滑的完善甚至向近年一類上台大放厥詞卻疏於總結的尷尬女性片遞出梯子，一翻兩瞪眼的論述頓時有了討喜的解套。
非線性敘事對首次接觸本作的觀眾來說，恐怕是較高門檻，且鋪排確實弄巧成拙地稀釋喬後來的情感發展，蘿拉鄧恩的角色也變得稍嫌扁平，是略可惜的缺憾，但交錯剪輯到結尾迎來高潮，甚將故事拉抬至超越虛實的境界，女性擁有自己的話語權，究竟是不是美好結局也留給觀眾自行判斷。演員都很好，不輸前輩們，甜茶再出演工具人花瓶角，依然迷人。本片保留《淑女鳥》的清新氣息，而葛莉塔潔薇在配樂、攝影、美術、服裝各就各位的狀態下，無後顧之憂地展現高超調度實力，以當代女性電影創作者來說，這絕對是你未來不想繼續錯過的名字，而隸屬二十一世紀，溫馨動人、嚴謹細緻，情緒飽滿的《她們》，則是你不想錯過的現代文學改編電影。
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《然後我們跳舞了》是瑞典出生的喬治亞裔導演雷凡阿金的第三部電影，故事舞台搬回故鄉喬治亞，藉民俗舞蹈穿針引線，探討同性戀者在保守社會和傳統思想的夾殺中，自我探索的旅程如何產生啟蒙與變革。導演結合少年成長和生活環境的必然和苦衷，說明這不僅是乾柴烈火的同志片，精湛的場面調度與鏡頭語言更有目不暇給的魅力，賦予角色勇氣體認心碎和覺醒的真諦，自由的靈魂也終於從道德束縛的框架中獲得釋放。
喬治亞民俗舞蹈強調精神傳承，性別形象需要妥善呈現，男性舞姿必須陽剛端正，但自幼學習的男主角遮掩不住陰柔，遭教練挑剔猶如家常便飯。突然加入的新團員則符合一切雄性標籤，陽光俐落且討喜，迅速奪得賞識，他與主角一同入選國家舞團的徵試，形同競爭者，但敵視與忌妒沒有維持太久，因為緊接而來的是情竇初開的砰然心跳，還有性慾啟發的繾綣縈繞。
這段同性戀情需要突破的外在桎梏，不僅是眼光，還有環境與人生。例如主角一家都曾經步上舞蹈路，後來卻都沒熬出頭，房租繳不出，有一日沒一日過生活，揭示主角用歲月培養的舞蹈未來其實如履薄冰，遑論民俗舞蹈對舞者的嚴謹要求如何形成巨幅壓力，而後伴隨的還有保守社會對同性戀族群的排斥與歧視，同儕的嘲笑和霸凌一點也沒少，種種線索說明戀情嘎然而止並非沒有原因。不只突破重圍、博得認同是最大考驗，如何坦承面對性別取向、勇敢接納真實自我，也是主角每分每秒的掙扎，過程有宛如《以你的名字呼喚我》的肉體交纏和綿密情感，也有類似《芭蕾少女夢》的設定與意識覺醒。
固然無法否認以近年如雨後春筍般的同志片類型來說，本片敘事略顯套路，仍奉「找出真我」為最高指導原則，但又不得不承認雷凡阿金將題材與劇情整合得相當完整成熟，流暢的鏡頭猶如情緒豐沛的舞蹈，精準捕捉備受父權壓迫的情慾如何在社會輿論的追趕中躲藏、喘息與宣洩，令人欣喜則在於反抗與掙脫並不全然是唯一解答，影片融會貫通自我認同的起承轉合，道出靈魂綻放同樣是勝利，自身之美，無須他人認同。新世代之於保守社會，男主角之於民俗舞蹈，成功從西洋歌曲和英國菸的慰藉中釋懷，不是放棄，更似宣示，尤其主角的最終一舞結合了陽剛和陰柔，向間接迫害的對立面展現真實靈魂，氣力放盡的轉身離去更勝心碎惆悵的千言萬語。
主角雷凡吉巴齊亞尼繳出一段令人過目不忘的精采演出，偶有幾回令人憶起提摩西柴勒梅在《以》片裡的羞澀清純，甚至有過之而無不及，例如他將面對初戀的雀躍不已和戀情崩垮的心痛難過切割成極具鮮明的對比，有奔放也有克制，頗有層次。更不用說他如何藉由舞蹈呈現將戲劇張力帶向最高潮，引領觀眾見證一個男孩從捆綁與迷茫之中脫穎而出，你會替他鋌而走險的舉動捏把冷汗，也會為他的義無反顧拍手叫好。
這部片在喬治亞當地上映期間遭社會抵制，官方火速勒令下架禁演，儼然成為電影本身最大的諷刺與映證。一部電影能替社會帶來多少影響無從得知，但本片在各項國際大獎典禮大放異彩，甚至代表瑞典角逐奧斯卡國際電影，終究說明世界已然願意伸手擁抱多元，而對於諸如喬治亞等一類保守國家來說，小石子投入河流所波動的漣漪需要耗時多久才能引起革命的滔天巨浪？這不僅是性少數族群的殷殷期許，也是雷凡阿金鼓起勇氣向故鄉發起的提問。但無論這部片最終走向何處，抱回幾座獎項，其實都不是那麼重要，身為觀眾只有一件事情不該遺忘，乃雷凡阿金曾經不畏抨擊的振翅，只為喚醒一顆美麗的靈魂、換取一個美麗的家園。
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這部夾雜四國語言的太空電影，開場不久就迎來火箭升空的倒數指令，但沒有人要離開地球，因為那是伊娃葛林飾演的女主角每晚哄小孩子睡覺的例行公事。這是一段關於單親母女的故事，母親是即將前往火星的太空人，但出任務前的密集訓練逐漸影響母女的情感關係，曾經相依為命，後來卻難逃疏遠。該如何在事業與家庭間取得平衡是女主角的最大考驗，而母女從相惜到疏遠再到和解的過程是電影的看點，升空口號不僅象徵隔閡，也代表生活默契。當火箭離開地球表面，所有送別的人都不捨哭泣，唯有小女孩微笑目送，這種克制的另闢蹊徑，或許才是這部片真正令人動容的原因。
太空片的內核，往常圍繞人類微弱虛幻的情感本質，探索宇宙奧秘，即是挖掘自己。於是大可像諾蘭的《星際效應》操弄敘事魔術，也能像《地心引力》藉技術聚焦生命與情感的定義，或者如塔可夫斯基將宇宙繪成哲學詩篇，學庫柏力克一不做二不休的冷冽，連擅長拍音樂片的查澤雷都能搞出一部講人性的《登月先鋒》，在類型的浩瀚裡，只要找對途徑，沒有什麼不可以。但儘管模式有跡可循，來自法國的女導演艾莉絲溫諾寇依然展現出獨有見解，就像火箭直到影片最後一刻才甘願升空，這種任性擺放在清晰明確的邏輯與目的上，何嘗不算是她的野心？
例如電影後半段主角為履行女兒承諾的違規行徑擺明會引起爭議，故事亦偏離政治正確的安全途徑，但艾莉絲溫諾寇仍無畏評判的抒情，宣示這部披著太空科幻外皮，實則懷有家庭通俗劇靈魂的電影終究要把感情和家庭擺第一，如同母女經歷關係變調的幾番波折，仍在分別之際將彼此擺心頭呵護，這種科技冰冷無法澆熄的溫柔不但確立影片主軸，還引申出情感聯繫的真摯，勾勒女性的堅定與努力，和緩鋪排與內斂爆發皆無喧嘩煽情之意，片尾那些女性太空人與兒女的真實合照，也是因此顯得格外有意義。
觀眾自然能合法地挑剔影片不夠深入的論述，亦能質疑主角的失序舉動，但要徹底將感情拋在工作之後是否能稱得上易事？則是影片向觀眾發起的提問。在這段升空前的密集訓練過程裡，一位男性候補員正做好準備隨時取代主角，說明了她得以出任務的契機是仰賴努力的一步一腳印，證據也在她訓練的堅持意念中體現，但身為單親媽媽的她，不但要維持訓練品質和身體素質，還得花費大把時間照料女兒、與前夫打交道，情勢因此每況愈下也就可想而知。這不全然代表男性在事業家庭間絲毫沒有困難，但即便是在性別平權風潮不斷湧動的現代時空，我們依然無法否認女性在各種場域都有更多障礙需要跨越。
伊娃葛林與飾演小女孩的澤莉布朗特聯手繳出一場接一場生動而感人的精湛互動，尤其前者不但嶄露美艷，還大秀睽違已久的法語，她為夢想與家庭不斷奔走，但絲毫不見退讓與示弱，女性的陰沉和力量在她的肢體與神情上都有搶眼而獨特的詮釋。而內斂敘事和母女倆的疏離與困境則與坂本龍一富含空間感的配樂達到絕妙的契合感，有科技冰冷的視覺效果，也有靈魂抽離的聽覺享受，儘管全片故事都待在地球，但科幻電影元素已可謂一應俱全。
我想有《星星知我心》的夜空不會太寂寞，即便它意不在征服宇宙，而是梳理離開地球前的人際問題，但乘載夢想、堅持、努力、性別、親情的火箭仍然足以點亮星空。導演搓合了人類面對未知環境的恐懼與膽怯，答覆親情隔閡的對應關係，藉此鑿出女性處於事業家庭兩難的勇敢與脆弱，替母女因為「太空」而漸行漸遠的關係進行爬梳，成熟節制地引出傾聽理解與陪伴的重要性。這雖然不是磅礡大作，也不是史詩經典，但若你在觀賞過程也曾幾何時從它細膩的暖流中尋得救贖和依靠，這部電影無疑就已經功成身退。
Rating ：3.75 / 5
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